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Autor Hilo: El hilo de "La última peli que he visto" (Leído 272930 veces)

WolfCult

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Gracias nogales, queria ver la de los roleros, pero se me han quitado las ganas jajaaja. Y mira que hay peliculas underground con bajo presupuesto y muchisima más gracia (las peliculas del critico de la nostalgia son geniales, probad a verlas, y había una pelicula con socuela también hecha por fans que era buenisima, pero no me acuerdo el nombre.

Alguno no se acordará de la última que he mencionado, no? que estaban jugando a rol en una residencia universitaria y se ve lo que los jugadores hacen en el juego como si fuera otra pelicula...

araubi

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Vamos con el repaso que se me acumulan:


Lady Terminator, una mezcla de Terminator con mitología indonesia, una frikada de tres pares de narices en la que la mala intentará arrancarte el cipote (literalmente). Vamos, que es mala a rabiar pero anda que no me he reído. Un 1


Supersonic Man, un súper-héroe chusquero made in Spain con el que también me he pasado un buen rato riéndome a gusto con los defectos especiales que la alumbran. Un 2


Desde ya me declaro fan incondicional de Los canallas duermen en paz, con un Hamlet metido a especulador inmobiliario, tratando así un tema, el de la corrupción, que nunca pasa de moda y con una escena inicial verdaderamente sublime. Por mi parte un 10 y para mí de las mejores de Kurosawa, que ya es decir.


Historia de Ricky entra directamente en mi olimpo particular de mejores películas cutres de la historia. Es un despiporre de principio a fin, con una temática fácilmente estrapolable a un videojuego (con sus "enemigos de final de fase"), frases de filosofía chusquera y, sobre todo, gore cutre a más no poder. Aquí son tan bestias que en lugar de romper algún hueso con cada puñetazo, directamente trituran extremidades o atraviesan torsos. No se cortan ni un pelo y se agradece, porque tiene una desvergüenza infinita. Es tan, tan, tan divertida que aun siendo tan, tan, tan mala no la puedo suspender, un 5.


Expediente Warren es una buena película de terror, y en los tiempos que corren ya es decir mucho. Con una factura más típica de tiempos pasados y tomándose realmente en serio la tarea de asustar al espectador. Para mí es un 7.


Rush ha sido para mí una muy grata sorpresa. Temía encontrarme con una película centrada exclusivamente en las carreras, pero no es así. Es una producción cuidada hasta el extremo, tanto en la recreación escénica de la época como en tratar todo lo que rodea a las carreras, consiguiendo así no minusvalorar las historias personales de ambos pilotos. Incluso me ha parecido soportable Chris Hemsworth, que después de haberlo sufrido en Thor ya es un punto a su favor. Daniel Brühl está muy bien. Un 7,5.

pacob

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Bueno, pues yo la ultima que he visto es:

(Retumbar de tambor)

Soldado universal 4

La pelicula , pues yo me esperaba un bodrio infumable y me he encontrado una peli de acción muy potable, desde luego el guión no da para Oscar, pero las escenas de acción están muy bien resueltas, además le da una nueva dimensión a la frase: te vi a reventar la perola.
Vamos una peli para ver con unos colegas y unas Birras. Mantener alejada de las mujeres.

En cuanto a nota: si eres un tío de pelo en pecho y tienes edad para beber cerveza y amigos ( cosa cada vez mas rara debido a eso del internes): 8

Si la ves con una chica que te gustaría llevarte al huerto:  1 ( es la nota que la daría ella, y como la has llevado a ver semejante bodrio lo mas seguro es que sea tu primera y ultima cita con ella si le das mas puntuación).
última modificación: 18 Marzo 2014, 18:38:22 por pacob

Rosa

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No sé si alguien la habrá comentado por aqui..

RECOMENDADÍSIMA

La verdad es que me esperaba un truñaco, o algo nivel regulero, y francamente HE FLIPADO.. Muy muy muy buena tecnicamente, y argumentalmente a mi al menos me ha encantado.. Tanto a los que conozcan el personaje de antes como a los que no.

Capitán Harlock 2013 -Toei Animation


pacob

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No sé si alguien la habrá comentado por aqui..

RECOMENDADÍSIMA


La verdad es que me esperaba un truñaco, o algo nivel regulero, y francamente HE FLIPADO.. Muy muy muy buena tecnicamente, y argumentalmente a mi al menos me ha encantado.. Tanto a los que conozcan el personaje de antes como a los que no.

Capitán Harlock 2013 -Toei Animation


Me la apunto, que tiene pinta de molar y no la conocia

Deka Black

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Yo la queb estoy esperando es Godzilla. perdon, GODZILLA
A straight line may be the shortest distance between two points, but it is by no means the most interesting. - (Third Doctor in The Time Warrior)

WolfCult

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Shibuya Kaidan (las 2), y basicamente, luego de ver eso, me quiero morir. Mala, tonta, sin sentido, un fantasma anormal que le corrias a guantazos y sin motivación. Unos finales (ambas peliculas) que decias, vale, de verdad.

Si teneis dudas os comento, pero basicamente yo al fantasma lo llamaba Porquesí, porque se cargaba a la gente porque si, asi, por todo el morro.

Haunt - bueh, esta paso de comentarla, mala mala es decir poco.

Outpost 3 Rise of the Spetnaz - Mala. no sse como habiendo hecho dos peliculas interesantes anteriormente, con buen transfondo y personajes curiosos e interesantes, sacan esto.

Necesito peliculas de terror decentes, estoy desmotivado, y romanticas o comedias tb, recomendaciones?

araubi

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Vamos al turrón...


El cine asiático está repleto de historias de venganza, sin duda es un sentimiento que fascina por cómo dirige al ser humano, gobernando sus actos y llevándole a superar sus límites con tal de calmar su ansia interna. Dentro de esta temática hoy nos referiremos a Lady Snowblood (Shurayukehime, 1973) dirigida por Toshiya Fujita y basada en un manga de Kazuo Kumimura, quedando destacada como una de las más reverenciadas obras de venganza con una protagonista femenina: Yuki Kashima, interpretada por una Meiko Kaji que polariza casi toda la atención por su belleza serena y su convincente actuación, siendo además la interpreta del tema principal de la cinta, The Flower of Carnage, usada también por Quentin Tarantino en su Kill Bill, pero la influencia de Lady Snowblood en la película de Tarantino no se queda aquí, sino que su protagonista fue la gran inspiración para crear al personaje de Lucy Liu, O-Ren Ishii.

Lady Snowblood es una hiperbólica historia de venganza, engrandecida hasta la exageración y asentada sobre escenas con amputaciones, chorros de pintura roja y planos con vertiginosos zooms típicos de la época y de los que podíamos disfrutar en producciones como las de los Shaw Brothers. Dentro de ese contexto de grandilocuente violencia (casi paródica para los ojos de un espectador actual) encaja perfectamente la historia de Yuki, cuya madre, Sayo Kashima, sufre un episodio que marcará el resto de su existencia. El marido de Sayo es asesinado frente a sus ojos, siendo posteriormente violada y golpeada por un grupo de tres hombres y una mujer. Tiempo después Sayo asesina a uno de sus asaltantes y es enviada a la cárcel. Allí traza un plan para vengarse más allá de la muerte y mantiene relaciones con sus carceleros con el fin de quedarse embarazada y transmitir su sed de sangre a su progenitor.

Sayo esperaba un varón fuerte, según sus propias palabras, pero en cambio da a luz a una niña bajo una fuerte nevada. Sayo fallece en el parto, pero su voluntad es tan fuerte que se la transmite a su hija, quedando ella marcada de por vida y dirigiendo cada paso con el fin de consumar la venganza de su madre. Contada de forma no lineal, la historia de Yuki resaltará el honor y la disciplina, virtudes ambas muy apreciadas en la sociedad japonesa. Por ello no resulta difícil saber por qué se ha convertido en una película de culto, una pequeña joya a descubrir por ojos acostumbrados a apreciar producciones realizadas en otras latitudes, con otras sensibilidades y formas de plasmarlas en el celuloide.

Para destacar, aparte de la interpretación de la protagonista, tendríamos la escena final rodada en un baile de máscaras con una gran fuerza icónica y una cuidada escenografía. Pero Lady Snowblood es en su conjunto una gran muestra de cine de serie B, falto de medios pero rebosante de ideas y voluntad.

Artículo original: http://lazancadilla.com/lady-snowblood-la-venganza-a-traves-de-la-sangre/

Por mi parte un 7.


Se me dio por volver a ver Los Supercamorristas y sigue siendo fresca y divertida. Cine no es que se vea demasiado, pero al menos entretiene. Un 5.


El debate sobre doblaje sí o doblaje no siempre ha sido uno de los más encarnizados y reiterativos entre los amantes del cine, reavivado hoy en día con la reciente huelga de actores de doblaje. Entre los acérrimos a la versión original y los que defienden el doblaje como vehículo necesario para que las películas lleguen a más gente (mal necesario, que lo llaman algunos). Pero el objetivo hoy no es decantarse hacia uno u otro extremo, sino el hablar cómo se solventaba la barrera idiomática en las primeras décadas del cine, cuando el doblaje, tal y como hoy lo conocemos, no existía. El productor de turno siempre se interesaba porque su película llegase al mayor número posible de personas, pero era evidente que no toda la población mundial dominaba la lengua de Shakespeare, así que si se conseguía distribuir las copias en otros idiomas el negocio podría ser aún más redondo. Era evidente que uno de los mercados más sabrosos era el hispano hablante, y para conseguir acceder a ese mercado las principales soluciones fueron dos: la primera de ellas era que los propios actores rodasen la misma película en inglés y en español, lo que nos “regaló” para la posteridad el macarrónico acento de Laurel y Hardy, rodeados de extras del país al que iba dirigido (además de rodar en español llegaron a hacerlo también en alemán). La segunda opción, muy parecida, consistía en rodar por la noche, con actores hispanos, la misma película que se rodaba durante el día. Esta práctica fue la que nos regaló la versión hispana de Drácula (Dracula, 1931), rodada por George Melford a imagen y semejanza de la dirigida por Tod Browning.

Drácula no fue un caso único, sin embargo sí que se puede considerar como el más representativo ya que consiguió no ser ensombrecida totalmente por su “hermana mayor”, adquiriendo una identidad única que no hizo sino acrecentarse con el paso de los años, llegando a ser finalmente conocida como Spanish Dracula, toda una declaración de principios que debería poner en alerta al cinéfilo que decida adentrarse en las entrañas del “monstruo” de Melford.

¿Cómo se consigue destacar cuando tu punto de partida está tan definido y tu único objetivo es copiar lo que Browning rodaba por la mañana? No es difícil adivinar que no es tarea sencilla, más aún cuando los medios técnicos estaban muy limitados y la producción era sensiblemente, algo que se puede notar especialmente en la calidad del sonido, sensiblemente inferior al Dracula de Lugosi. Sin embargo, sí que contaba con los mismos decorados, lo que le ayudaría a rodearse de un halo de credibilidad decisivo para el resultado final.

Centrándonos en los protagonistas, lo primero sería detenernos en Pablo Álvarez Rubio, encargado de encarnar a Van Helsing. La actuación de Pablo Álvarez palidecía frente a la de Edward Van Sloan, no sólo porque la del primero fuese algo histriónica, sino porque la de Van Sloan era excelente, toda una inspiración y el único capaz de ensombrecer a Lugosi en sus escenas conjuntas. Por lo que “perder” en la comparación no era una deshonra, sino una consecuencia lógica. Donde sí que Spanish Dracula vencía a los puntos era en su protagonista femenina, Lupita Tovar resultó ser una Mina (Eva en esta versión) mucho más carnal, más interesante y con una actuación que desprendía más sensualidad que la que podíamos ver con Helen Chandler o Frances Dade en el papel de Lucy. Sin duda, lo más destacado de toda la cinta, sólo ensombrecida, de nuevo, por el deficiente sonido.

Por último analizaremos brevemente a nuestro Drácula hispano, más concretamente mexicano porque lo encarna Carlos Villarías ¿Cómo sale parado el bueno de Villarías? En principio sería lógico pensar que no tiene nada que hacer frente a una leyenda como es Bela Lugosi, que además contaba con un amplio bagaje interpretando al personaje en el teatro. Como anécdota, podemos señalar que el único actor que pudo ver lo que se rodaba durante el día fue el propio Villarías, algo que un espectador atento podría adivinar viendo su actuación, ya que en gran medida estamos ante una mimetización de lo que el húngaro nos ofreció en la película de Browning. La lástima era que Villarías no poseía el aura que envolvía a Lugosi de forma sorprendente natural, no era capaz de desprender terror sólo con su mirada, por lo que su Drácula era mucho más luminoso, más caballeroso, más amable a primera vista y, por lo tanto, más oculto a los ojos de sus víctimas. Pese a que es cierto que esa luminosidad era un hándicap frente a Lugosi, hay que tener en cuenta que paradójicamente esas mismas diferencias le acercaban más al boceto original, al Drácula que ideó Bram Stoker. Lugosi era demasiado sombrío, no lo olvidemos, y tiene un gran mérito haber conseguido inmortalizarse implementando un toque tan personal en el personaje, de tal forma que en sucesivas entregas Drácula se acercaba más a Lugosi que al original. Habría que esperar a que Francis Ford Coppola se embarcase en el proyecto de trasladar fielmente el libro de Stoker para ver un Drácula más acorde a lo que se plasmó en el libro.

Con estos mimbres, Melford construyó una película inmortal, una película con personalidad que consigue adquirir vida propia alejada del cordón umbilical que le une a su “hermana”, un tesoro que permanece casi oculto y que, por suerte, ha sido rescatada en diversas ocasiones para deleite del público deseoso de ver terror clásico. No hace demasiado tiempo fue editada en nuestro país formando parte del pack en Bluray Monsters, que reúne varias películas clásicas de terror de la Universal en una atractiva presentación en forma de ataúd, teniendo así la oportunidad de disfrutarla en alta definición con una imagen nítida, aunque con el sonido deficiente de siempre.

Artículo original: http://lazancadilla.com/spanish-dracula-villarias-bajo-la-capa-del-vampiro/

Por mi parte un 7 alto.


Ver La Casa Del Fin De Los Tiempos (2013) de Alejandro Hidalgo, representa una auténtica lucha casi contra tu propia memoria, forjada durante años y años con incesantes oleadas de culebrones venezolanos a cual más sobreactuado y con argumentos más tópicos. Por eso, decir que vas a ver una película venezolana de modesto presupuesto no te convertirá en la persona más popular de tu entorno, y seguramente tendrás que enfrentarte a más de un chascarrillo con la inefable Cristal como trasfondo.

Pero los prejuicios están para derribarlos y una de las mejores experiencias cinéfilas es poder explorar producciones de países alejados del mainstream con todo lo que ello implica, principalmente el observar comportamientos que no consideramos “normales”, aunque muchas veces esa normalidad no sea más que una invasión cinematográfica proveniente de los Estados Unidos y que hemos terminado asumiendo como propia, consiguiendo que la mayoría de la población vea con extrañeza las producciones de otras latitudes. Pero La Casa Del Fin De Los Tiempos podría ser uno de los casos más accesibles, junto con aquella oleada de terror japonés que llegó con motivo del estreno del remake americano de The Ring, porque sigue una senda bastante recta en su intento por crear una elegante producción de terror.

Ciertamente, La Casa Del Fin De Los Tiempos consigue en gran medida su objetivo. Quizá sería más ajustado definirla como película de suspense, ya que su principal cualidad es su manera de mantener la tensión durante todo el metraje sin necesidad de excesivos aspavientos superficiales. Ayuda mucho la actuación de sus actores principales, encabezados por Ruddy Rodríguez en su papel de Dulce, una mujer obstinada en sacar adelante su familia y protegerla ante los acontecimientos que suceden en su casa, y bien secundada por Gonzalo Cubero encarnando a su marido Juan José, poniendo el contrapunto de fricción en la familia por su temperamento machista que no permitirá ver doblegada su autoridad como patriarca. Por suerte, los hijos de la familia, interpretados por Rosmel Bustamante y Héctor Bustamante, no entran dentro del cada día más extenso catálogo de interpretaciones infantiles insoportables, sino que se muestran comedidos y resultan creíbles en todo momento.

En definitiva, lo que nos ofrece La Casa Del Fin De Los Tiempos es una producción realizada de forma muy profesional, bien montada ofreciendo pistas sobre lo que realmente sucede a un ritmo adecuado y dejando tiempo al espectador para que vaya realizando sus propias conjeturas, cerrando además la historia de forma completamente satisfactoria sin dejar cabos sueltos . Mantiene el interés y logra que conectemos con Dulce en su lucha por descifrar el misterio que se oculta en su casa, pero no todo iba a ser positivo ya que la caracterización de Dulce como anciana es mejorable y, paradójicamente, su gran punto negativo es lo que más le acerca a las producciones estadounidenses del mismo género: esa manía de tratar de asustar al espectador con una brusca subida de volumen. Personalmente algo que odio.

Así que La Casa Del Fin De Los Tiempos está ahí para todo aquel que quiera visitarla, sólo se requiere un poco de voluntad y abrir la mente. Al menos en esta ocasión el idioma no será una barrera.

Artículo original: http://lazancadilla.com/la-casa-del-fin-de-los-tiempos-porque-no-todo-son-culebrones/

Por mi parte un 6,5.


Por suerte, creo que se nota la mano del irregular Kim Jee-woon sobre todo en su humor sin complejos y sus pintorescos personajes. Reconozco que me lo he pasado pipa volviendo a ver al Chuache haciendo de las suyas mientras balbucea sus líneas de diálogo. Le doy un 6.


Kurosawa, siempre Kurosawa. Pese a que no va a quedar como una de mis favoritas del director, sigue estando muy por encima de la media. La relación entre el médico y el mafioso borracho (como siempre, Toshirô Mifune) sostiene completamente la película sin bajar en ningún momento el interés. Un 7,5.


Si el cine sigue considerándose un arte no es gracias a las películas más taquilleras, rendidas cada vez más al puro artificio y en busca de la mera rentabilidad económica sacrificando casi en su totalidad cualquier expresión artística, salvo honrosísimas excepciones. Son producciones que pasan casi desapercibidas para el gran público las que siguen manteniendo bien alto el estandarte de la calidad y El Arca Rusa (RusskiyKovcheg, 2002) de Alexandr Sokurov es un claro ejemplo de ello, gracias a su arriesgada propuesta y fascinante puesta en escena.

El concepto que dio vida a El Arca Rusa sólo podría ser definido como locura, pero bendita locura la que animó a su director a movilizar a cerca de 2000 actores, filmados en un único plano secuencia de 96 minutos en el museo Hermitage de San Petersburgo (antiguo Palacio de Invierno) con la música en directo de tres orquestas. Todo grabado en una cámara de alta definición Sony HDW-F900 que transmitía directamente la imagen sin comprimir a un disco duro que sólo podía grabar 100 minutos y no podía ser regrabado, por lo que la precisión del cámara (el alemán Tilman Büttner) resultaba también crucial y la comunicación con el director debía ser fluida, algo nada fácil de conseguir ya que ambos sólo hablan su lengua materna (ruso y alemán), por lo que un traductor debía estar continuamente pendiente de ambos. Además disponían de un único día para rodarla, ya que el museo debía cerrarse por completo, lo que añadía tensión extra al rodaje siendo necesario que no se produjese ni un solo error. Por suerte para los amantes del cine, tras tres tomas fallidas a la cuarta se logró completar la película y también se pudo cumplir el último requisito: no realizar ningún tipo de edición posterior. Con todas estas particularidades, El Arca Rusa puede ser considerada una auténtica pionera de la historia del cine, algo nada fácil de lograr con los más de 100 años que tiene a sus espaldas.

Ya centrándonos en la película en sí, podremos observar a dos personajes principales. Uno es invisible y sólo podremos oír su voz (la del propio Sokurov), el siguiente si es visible y se identificará como un europeo, basado en el Marqués de Custine. Ambos recorrerán las salas del museo, siendo testigos de distintas escenas de la historia rusa e incluso llegando a interactuar en algunas de ellas, mientras que en otras pasan desapercibidos por el resto de personas presentes y caminan entre ellos sin ser vistos. Durante la película “el europeo” mantendrá varios diálogos con el director dejando claro su recelo por la historia de Rusia, tratando de desprestigiar el arte ruso y tachándolo de mero plagio, definiendo el Museo Hermitage como una simple copia del Vaticano, incluso llegando a afirmar que “todos los compositores son alemanes”, haciendo patente su desdén tal y como lo hacía en la realidad el propio Marqués de Custine en su libro La Russie. El propio director parece mostrarse incómodo, representando la situación de Rusia a caballo entre Europa y Asia sin sentirse totalmente perteneciente a ninguna de las dos, reafirmando su propia identidad.

Visualmente El Arca Rusa sólo puede ser considerada como fabulosa, con un trabajo de vestuario simplemente sobresaliente y una recreación en general brillante, llegando a su clímax en la escena final que recrea el último baile imperial, celebrado en 1913, con una orquesta sinfónica dirigida por Valeri Gérgiev que logra que te den ganas de unirte al aplauso del público presente, para a continuación presenciar cómo la totalidad de los actores abandonan el museo mientras la cámara sigue deslizándose entre ellos y abandonando asimismo la estancia, dando así por finalizado un espectáculo visual difícilmente igualable.

Artículo original: http://lazancadilla.com/el-arca-rusa-un-espectaculo-inigualable/

Un 9.


Deka Black

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Los Supercamorristas sigue iendo una de mis favoritas ever and ever... Y ese pepe Sancho de villano  :P
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araubi

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Con el inmejorable precedente que era Cinco Centímetros por Segundo (Byōsoku Go Senchimētoru, 2007), el director japonés Makoto Shinkai presentaba el pasado año El Jardín de las Palabras (Kotonoha no Niwa, 2013). Se trata, de nuevo, de un mediometraje ausente de fantasía o ciencia ficción, a diferencia de sus primeros trabajos. Lo primero que resalta en esta producción es su impresionante apartado artístico, destacando especialmente  la representación de la naturaleza, llegando en algunos momentos a resultar foto realista en los primeros planos. Porque si de algo está servida esta película es de primerísimos planos, salpicados con planos más generales, como queriendo que prestemos atención a los pequeños detalles y a la vez queriendo que nos impregnemos del bucólico paisaje que es el jardín que da nombre a la película. La escasez de planos medios, orientados a los personajes, sin duda es un intento por conseguir que nos centremos más en el diálogo, en las palabras, fundamentales en el desarrollo de la historia.

Pero El Jardín de las Palabras no es sólo belleza visual, sino que la historia acompaña de principio a fin con una gran carga emocional, bella y emotiva. Una historia sobre el amor, sobre el primer amor, más platónico que carnal, idealizado por un joven de 15 años, Takao Akizuki, aspirante a zapatero y amante de los días lluviosos. Tanto que cuando el cielo descarga él prefiere ir a clase caminando en lugar de coger el tren. En su travesía atraviesa un jardín japonés, y uno de esos días se detiene en un pequeño quiosco donde conoce a Yukari Yukino, una chica de 27 años que por un misterioso trastorno sólo bebe cerveza y come chocolatinas. Poco a poco ambos se irán conociendo y Takao le irá revelando sus sueños como zapatero. Según van estrechando lazos la lluvia se convertirá en un símbolo, un anhelo que cada noche desean para el día siguiente, dándoles así la posibilidad de verse al día siguiente. Inevitablemente, llegará el momento en el que entre ambos surja un sentimiento que va más allá de la amistad, aunque la diferencia de edad estará muy presente y la verdadera profesión de Yukari, de la que nunca habla, será otro obstáculo con el que no contaba Takao.

El Jardín de las Palabras es, ante todo, una historia que derrocha corazón por los cuatro costados, una demostración de cómo tratar el romanticismo sin caer en la pedantería o en una ridícula exageración (Crepúsculo, ejem).  Es emotiva, pero comedida, es preciosa, pero no empalagosa, es otra joya que nos ofrece Makoto Shinkai.

Un 8,5.


La gran familia española me ha parecido una buena comedia negra, en la línea habitual de Sánchez Arévalo. Un trabajado guión da pie a un buen número de situaciones estrafalarias en las que sólo chirrían unas pocas.

Para mí lo mejor que ha dado el cine patrio este último año. Un 7.


Ocho apellidos vascos es el fenómeno de la temporada. En su día James Cameron ya dijo que si querías dar un pelotazo en taquilla no podías hacer una película complicada, y éste es un claro ejemplo: los vascos son muy brutos y los andaluces muy graciosos y venga retahíla de tópicos aquí y allá. Funciona, sí, y su comienzo es notable con la participación del Culebras y el Cabesa (El mundo es nuestro), pero se va desinflando y la parte final es totalmente prescindible. Indefendible que en el final el protagonista diga que "en el País Vasco no son así", cuando toda la película ha sido una colección de tópicos sobre vascos jugando a pelota y abertzales.

Resumiendo, que no es una mala película y que es entendible que la gente se ría con ella, pero de cine no tiene demasiado: un 5,5.


La película es tan mala como su portada promete. Para echarse unas risas con todos sus fallos vale. Un 1.


Insidious: Capítulo 2. No llega al nivel de la primera, a mí me ha aburrido bastante y reconozco que a mitad de metraje desconecté casi totalmente por sus inverosímiles cabriolas argumentísticas. Un 5.

NekOkapi

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Ninja Team Gatchaman

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Comando G, Comando G. Siempre alerta están.
No está mal, pero es muy japonesa. Lo digo porque cuando alguien no habituado a este tipo cine la vea, soltará pestes. Un inicio con muchos efectos que se abandonan en pos de una trama tranquila para llegar a un final previsible. Pero ¡oche! Que sale Ayame Gouriki. A mi me ha gustado, pero según la veía pensaba. Como traigan esto a occidente se va a llevar una manta palos de mucho cuidado.

009/1 (00 Kyu no ichi)
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Conmemorando el 75 aniversario de Sotaro Ishinomori. Otra de sus creaciones. A diferencia de Comando G, esta es acción por todos lados, algo a lo que no me acostumbraré nunca. Entretenida y palomitera... Me gusta, aunque un poco menos movida me hubiera agradado más. Llevaba años con la pista perdida de Iwasa Mayuko y cuando la he visto se me han salido los ojos... jezú, como está la niña. Y Aya Sugimoto, que parece que está destinada a ser la mala por excelencia de estas obras. Me ha recordado mucho a su papel como Beryl Sama en Sailon Moon. Los efectos especiales están bien, aunque podrían estar mejor.


araubi

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Deka Black

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NekOkapi

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Sip.
Aviso que de momento no tienen subs. A verlas en japonés puro y duro. No es que la trama sea compleja, pero un poco de nihongo viene bien.
Y el próximo 26, sale por fin "Patlabor 1", para el año que viene la segunda parte que dicen puede ser en 4K  :o